À propos de l’artiste…

Philippe Boisnard interroge depuis de nombreuses années la constitution de l’homme à travers la matérialité des codes et des représentations liées à la dimension aussi bien politique, que sociale ou économique. Il a écrit plusieurs livres et essais, et faits de nombreuses conférences en France et à l’étranger.

Depuis 2008, il crée des installations numériques telles After Fukushima, phAUTOmaton, Translations, Shape_of_ memory, Words City, présentées nationalement ou internationalement. Il a travaillé pour des créations numériques théâtrales (Festival d’Avignon, La Villette, Théâtre des Tanneurs à Bruxelles). Il est aussi commissaire d’exposition en art technologique (Access, Les Bains numériques, …) Il a obtenu en 2007 le prix multimédia de la Société des gens de Lettres de France (SGDL), et en 2013 le trophée art aux voeux de l’internet (Le Cube).

À propos de l’oeuvre…

Un paysage sans reste d’humanité se crée de manière continue. Il est un reflet poétique d’une terre dont nulle conscience n’est plus témoin. Il y a eu destruction. Cette terre, c’est Fukushima. Elle est désolée. Il ne reste qu’un paysage sombre, sans hommes, sans faune ou flore. Seuls quelques vestiges de constructions peuvent apparaître.

Ce paysage se modifie automatiquement par l’analyse des flux d’informations concernant Fukushima mis en ligne sur le Web. Ce paysage est post-historique. Il n’écrit plus l’histoire. Il est le reflet d’un monde où l’homme a disparu, mais dont il ne reste plus que les traces sous la forme d’archives. Une caméra automatique explore ce paysage : nous faisons face à sa solitude. Le terme de solitude est ancien, il renvoie au XVIIème siècle à une friche, à un no man’s land.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g. Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.
• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Philippe Boisnard interroge depuis de nombreuses années la constitution de l’homme à travers la matérialité des codes et des représentations liées à la dimension aussi bien politique, que sociale ou économique. Il a écrit plusieurs livres et essais, et faits de nombreuses conférences en France et à l’étranger.

Depuis 2008, il crée des installations numériques telles After Fukushima, phAUTOmaton, Translations, Shape_of_ memory, Words City, présentées nationalement ou internationalement. Il a travaillé pour des créations numériques théâtrales (Festival d’Avignon, La Villette, Théâtre des Tanneurs à Bruxelles). Il est aussi commissaire d’exposition en art technologique (Access, Les Bains numériques, …) Il a obtenu en 2007 le prix multimédia de la Société des gens de Lettres de France (SGDL), et en 2013 le trophée art aux voeux de l’internet (Le Cube).

À propos de l’oeuvre…

Un paysage sans reste d’humanité se crée de manière continue. Il est un reflet poétique d’une terre dont nulle conscience n’est plus témoin. Il y a eu destruction. Cette terre, c’est Fukushima. Elle est désolée. Il ne reste qu’un paysage sombre, sans hommes, sans faune ou flore. Seuls quelques vestiges de constructions peuvent apparaître.

Ce paysage se modifie automatiquement par l’analyse des flux d’informations concernant Fukushima mis en ligne sur le Web. Ce paysage est post-historique. Il n’écrit plus l’histoire. Il est le reflet d’un monde où l’homme a disparu, mais dont il ne reste plus que les traces sous la forme d’archives. Une caméra automatique explore ce paysage : nous faisons face à sa solitude. Le terme de solitude est ancien, il renvoie au XVIIème siècle à une friche, à un no man’s land.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g. Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.
• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Née à Boisbriand, Isabelle Gagné est une pionnière de l’art mobile au Canada. C’est en 2009 qu’elle s’est tournée vers les appareils mobiles comme médiums d’expression artistique. Depuis, elle a présenté son travail dans des expositions individuelles et collectives au Canada et à l’étranger. Alimentée par son environnement numérique, l’artiste porte un intérêt particulier au paysage naturel contemporain québécois, marqueur énonciatif du patrimoine. Ses recherches sont multiplateformes. Elle puise sa matière première dans des photos, captures d’écran, et même des accidents graphiques trouvés sur Internet.

À propos de l’oeuvre…

Stratotype digital-ien est un robot informatique autonome [bot] qui recompose de manière aléatoire les images du paysage québécois. Il a pour fonction de transformer les photos prises par l’artiste et recueillies auprès de citoyens. Aux photos originales, le bot ajoute des extraits d’images de nature géomorphologique similaire trouvées sur Google Image, créant ainsi une nouvelle génération d’images. Les images modifiées créent des occurrences visuelles insolites du territoire québécois sur le web et les moteurs de recherche. Ces nouvelles données produites par le robot contribueront à accroître les archives photographiques du patrimoine québécois sur le web. La programmation de ce [bot] est le fruit d’une collaboration avec le développeur web Paul Gascou-Vaillancourt.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 20×15 po. / 50×38 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos des artistes…

Simon Dumas. À la fois poète et artiste, il a fait paraître cinq titres de poésie : Pastels fauves aux éditions du Loup de gouttière (2001), Petites îles de soif aux Écrits des forges (2003), La chute fut lente, interminable puis terminée aux éditions La Peuplade (2008) — finaliste au prix Alain-Grandbois — ainsi que Mélanie (2013) et Révélations (2016) aux éditions de l’Hexagone. Il a bénéficié d’une résidence d’écriture à Mexico en 2010 et d’une autre à Paris à l’automne 2014. Il est cofondateur et directeur artistique de Productions Rhizome dont le mandat est de produire des spectacles littéraires. Il vit et travaille à Québec.

Mickaël Lafontaine. Artiste multidisciplinaire, son univers de création se situe à la croisée du réel et du numérique, de l’art et du social. Sa pratique artistique s’articule autour de l’art vidéo, du vidéo-mapping, de la danse, de la poésie et de la philosophie. Il fait appel à la vidéoprojection et à l’interactivité afin d’incarner le numérique dans le réel et de le faire vivre entre les mains du spectateur. En parallèle, il développe des projets de co-création en milieu éducatif et associatif où l’art et les nouvelles technologies deviennent des facteurs de changement social. Il vit et travaille entre les villes de Nantes et de Montréal.

À propos de l’oeuvre…

L’image est issue de l’installation Choeur(s) pour castelet dont le coeur est fait de poésie. Dans la vitrine, au centre d’un petit plateau noir, se tiennent un certain nombre de personnages. Ce sont les habitants d’un castelet particulier, hommes et femmes, qui interpellent le visiteur. Ce sont des poètes, du Québec et de la Belgique, des présences poétiques différées et ramenées aux proportions du castelet. À chaque auteur(e) est associé un artiste audio ayant composé spécifiquement une pièce. À chaque duo vient se greffer une création vidéo conçue expressément pour le dispositif, ainsi qu’une animation typographique dynamique créée par l’artiste Mickaël Lafontaine, qui utilise une œuvre-outil qu’il a développée, l’Audiographe. La voix des poètes module les animations en temps réel.

Chœur(s) est une installation de configuration variable créée avec l’artiste et développeur Louis-Robert Bouchard avec la participation de TOPO et du Laboratoire Nt2

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Sarah Chouinard-Poirier. Dans ses travaux l’artiste multidisciplinaire se met physiquement en jeu et élabore des performances où la présence, le geste, la parole et l’objet concourent à créer une expérience radicale et une mythologie féministe et résistante. Positionnant sa pratique entre le théâtre et l’art action, elle s’engage aussi dans des projets collectifs où elle participe à la création de formes théâtrales interdisciplinaires ancrées dans le travail du corps et la performativité, basées sur des écritures contemporaines ou des textes du répertoire. Depuis 2012, elle coordonne les activités de Volte 21, organisme de création pluridisciplinaire dont elle est cofondatrice. Elle vit et travaille à Montréal.

À propos de l’œuvre…

En février 2017, Sarah Chouinard-Poirier présente le projet indexE dans la Vitrine de TOPO. indexE pose la question de la place des femmes en littérature en recourant à l’oralité comme lieu de partage et de transmission. L’artiste a convié une communauté ad hoc de 100 personnes s’identifiant comme femmes, personnes trans ou queer, réunies par une invitation à proposer une œuvre de la littérature féminine revêtant pour elles une importance particulière. Ces œuvres constituent l’indexE, un répertoire de livres à désoublier exposés dans la vitrine pendant toute la durée de l’exposition. Dans cet espace intime évoquant la bibliothèque et le studio de radio, la performeuse et ses collaboratrices ont offert un cycle de lectures de longue durée, de cinq heures par jour durant six jours.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 15×20 po. / 38×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos des artistes…

La collaboration entre Jean-René Leblanc et Carl Spencer, deux artistes, basés à Calgary, résulte d’une commande de la Société Radio-Canada pour le 100^e anniversaire du Stampede de Calgary, l’un des plus grands rodéos du monde. Conçue expressément pour une vitrine, Toro embistiendo a été réalisée pour la première fois en 2012 dans l’espace vitré du centre d’artistes Stride à Calgary. Activement impliqués dans la communauté des arts visuels et médiatiques, Leblanc et Spencer siègent tous deux au conseil d’administration de Emmedia Gallery and Production Society et ils ont cofondé le laboratoire transdisciplinaire Sensorium de l’Université de Calgary – un groupe de recherche artistique explorant les systèmes d’interaction qui encourageant la perception et l’interprétation kinesthésique axée sur la participation. Leur pratique explore la relation entre la technologie et la culture à travers des enjeux liés à l’interactivité. Leurs œuvres ont été présentées au Canada, aux États-Unis, en Europe, en Asie et en Australie.

À propos de l’oeuvre…

L’œuvre Toro embistiendo interroge l’image du taureau comme figure emblématique de la culture du rodéo et des cowboys au Canada. Le titre fait appel à la langue espagnole pour désigner le taureau qui charge, une référence explicite à la tauromachie si présente dans la culture hispanique. L’installation explore le jeu de la confrontation entre le spectateur et la vidéo d’un taureau dans son enclos qui se met à charger quand on l’excite en passant devant la vitrine où l’œuvre est présentée. Leblanc et Spencer proposent une installation ludique et métaphorique utilisant l’interactivité pour créer un pont entre le réel et le virtuel.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 10×20 po. / 25,5×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.