EXPO BENÉFICE
HABITER L’INCERTITUDE D’UNE VITRINE

• 14 artistes et duos • 14 oeuvres  •
• Édition limitée de 10 tirages numérotés •

 

À l’occasion du lancement de son livre numérique portant sur les deux premières saisons de sa Vitrine d’expositions, TOPO a le plaisir de vous inviter à cette expo-vente avec les artistes qui ont présenté dans la Vitrine pendant cette période (2015-2017). Les œuvres seront disponibles pour vente en ligne tout au long de 2018, année anniversaire de fondation du centre.

TOPO soulignera en 2018 ses 25 ans d’existence et 20 ans de présence sur le Web. Une série d’activités sera annoncée au cours de l’année à venir afin de célébrer les artistes, les créateurs et les partenaires qui ont participé à l’écosystème créatif de l’organisme. Pour lancer cette série d’événements anniversaire, TOPO dévoilera le6 décembre 2017 la réalisation d’un livre numérique, disponible gratuitement, présentant les 13 expositions des deux premières saisons de la Vitrine de TOPO (2015-2017). Afin d’enrichir l’expérience du livre et de soutenir les activités du centre, le lancement sera accompagné d’une exposition présentant les œuvres des artistes de la programmation 2015-2017. Les œuvres imprimées (au format moyen de 16×20 po. / 40×50 cm) sont offertes en vente au coût de 150$ chacune. Une partie des bénéfices sera remise aux artistes; nous les remercions chaleureusement.

 

HUGO NADEAU • AUDREY-MAUDE MCDUFF • PAT BADANI • STEVE HEIMBECKER • OLI SORENSON • JOSEPH LEFÈVRE • SANTIAGO TAVERA • MAXIME BOISVERT • JULIEN-ROBERT • ÉLÈNE TREMBLAY • JEAN-RENÉ LEBLANC / CARL SPENCER • SARAH CHOUINARD-POIRIER • SIMON DUMAS / MICKAËL LAFONTAINE • ISABELLE GAGNÉ •   

 

 

 

 

// LES OEUVRES  

01. Hugo Nadeau

commun, commune, communauté, communautaire, communion, communication, communisme

150$

 

À propos de l’artiste…

 

À propos de l’oeuvre…

Libre acteur des arts visuels et numériques, de la performance et de la poésie, Hugo Nadeau a présenté ses projets dans plusieurs endroits au Canada, États-Unis, Brésil, Pologne, Angleterre, Allemagne ainsi qu’en Chine. Il est récipiendaire de bourses et prix locaux, provinciaux et nationaux. Il est originaire de Saint-Zacharie en Chaudière-Appalaches et vit à Montréal.

«Mon parcours imite la façon avec laquelle se structurent nos institutions et sociétés. Je développe des installations, performances, poèmes, systèmes qui réagissent à leur contexte (époque, journée). J’emprunte la complexité et l’abondance comme moyens et joue ma notoriété en développement pour conduire une réflexion sur l’égotisme et l’auto-création. Je me considère comme un artisan des nouvelles technologies, visant un travail ramifié, exemplaire, indépendant d’aliénations économiques. M’y appliquant essentiellement seul, je vise à piéger les prévisions et transformer les lieux où je m’active en défendant le partage des valeurs, connaissances et outils.»

 

Estampe numérique composée à partir du jeu vidéo Nous Aurons, présentant la coopérative Archipel (Laurentie) sur le territoire de l’ancienne île de Montréal, territoire mohawk non cédé. Le « graffiti » visible sur le bâtiment provient de l’exposition « L’idée du commun » de l’artiste Anne-Marie Ouellet.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g. Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.
• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront. 

 


02. Audrey-Maude McDuff

Carnets de captures

 

150$

 

À propos de l’artiste…

 

À propos de l’oeuvre…

Audrey-Maude McDuff vit et travaille à Montréal. Elle a obtenu en 2014 une maitrise en arts visuels de l’Université Concordia. L’artiste a participé à plusieurs expositions solos et collectives, notamment à la galerie Art Mûr, à la SAT et à plusieurs éditions de la Nuit Blanche à Montréal. Son travail a également été exposé aux États-Unis, en Italie et en Belgique.

L’artiste porte une réflexion sur la représentation en vidéo et sur l’insuffisance de l’image enregistrée comme substitut de la mémoire. Sa pratique se définit par le croisement de plusieurs médiums, prenant souvent la forme de l’installation vidéographique. Sa pratique tente de saisir la trace mais le geste de « capture » se révèle impossible; l’instant disparaissant aussitôt que surgit le désir de s’en emparer. Ses œuvres évoquent l’impermanence et l’intangibilité de l’image en mouvement dans le temps; l’impossibilité de la caméra vidéo à conserver réellement les évènements du passé. 

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Carnets de capture est une installation vidéo dans laquelle le carnet, l’atelier et le déploiement de la pensée sont au cœur des préoccupations. Entre dessin, vidéo et gestes performatifs, cette œuvre interroge le lien étroit entre une pensée et son support. L’oeuvre porte une réflexion sur les conditions de surgissement d’une image ou d’une idée. Elle présente une tentative de «capturer» une pensée fugitive. Cette volonté de vouloir « saisir » est résolument un échec. Suite à la multitude d’idées qui nous passent par la tête,  les images se forment, se transforment, mais ne restent pas. 

Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g. Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.
• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.


03. Pat Badani

make-A-move

 

150$

 

À propos de l’artiste…

 

À propos de l’oeuvre…

Pat Badani. Originaire d’Argentine et basée à Chicago, l’artiste au parcours international est détentrice d’une maîtrise en arts visuels de l’Art Institute of Chicago. En tant que praticienne, chercheure, professeure, éditrice et commissaire, elle s’intéresse à la relation entre les nouveaux médias et la sphère sociale. Sa pratique à la fois conceptuelle et contextuelle s’articule à travers la création artistique, la recherche et l’écriture autour de sujets tels que l’habitation, la transculturalité, les mouvements migratoires de la population et un mode de vie axé sur le développement durable. »

Son travail a été présenté en Amérique du Nord et du Sud, en Europe et en Asie. Elle a participé à de nombreux symposiums internationaux et ses écrits ont été publiés à l’échelle internationale, et elle a reçu de nombreux prix et distinctions. Badani est actuellement professeur de médias intégrés à l’école d’art de l’Illinois State University; Directeur par intérim du programme d’études interdisciplinaires en arts médiatiques au Columbia College, Chicago; rédacteur en chef du Media-N Journal, le New Media Caucus; et éditeur invité de « Artelogie », EHESS (France). Depuis janvier 2017, elle siège au conseil d’administration d’ISEA International.

 

Avec cette œuvre, Badani souligne son appréhension à l’égard de la vie privée et de l’espace personnel dans un contexte de surveillance. Elle invite les visiteurs à faire un mouvement (make-A-move), engendrant ainsi un jeu de cause à effet entre le participant et le regard automatisé. Les portraits suivent des yeux les visiteurs, sans relâche, suscitant méfiance, surprise, peur ou bien passivité.

L’installation a été conçue par Pat Badani lors d’une résidence à l’Agence TOPO, en coproduction avec Art Souterrain, dont l’édition 2015 avait pour thème la sécurité. Elle a été réalisée avec le soutien de Patrice Coulombe (conseiller technique), de Paul Gascou-Vaillancourt (assistant à la production) et de l’équipe de TOPO.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

 


 04. Steve Heimbecker

Taberneige

 

150$

 

À propos de l’artiste…

 

À propos de l’oeuvre…

Steve Heimbecker est artiste, compositeur et concepteur d’environnements multicanaux immersifs. Sur le plan conceptuel, son travail repose sur sa fascination pour l’architecture de l’espace et la mesure du temps dans l’espace, y compris son penchant naturel vers la représentation en mode transversal. Son travail fait partie de collections publiques dont celles du Musée national des beaux-arts du Québec, de la Alberta Art Foundation et de la Fondation Foothills Hospital. Avec près de 30 années de pratique artistique, Heimbecker a présenté ses installations, performances audio et compositions au Canada, en Europe, à New York et au Pérou. Il vit et travaille dans la région de Sherbrooke au Québec. 

 

Cette œuvre est l’un des nombreux néologismes créés par l’artiste pour sa série d’installations multi-écrans et poésie de performance Ripaliper, METAFIVE et Notes réalisés entre 2012 et 2016. Taberneige a été écrit par l’artiste le 16 mars 2014 et a ensuite été scanné et numérisé pour une utilisation dans ses productions et impressions numériques.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 13×20 po. / 33×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.


 05. Oli Sorenson

Vidéo Pistoletto 6280

 

150$

 

À propos de l’artiste…

 

À propos de l’oeuvre…

Né à Los Angeles, Oli Sorenson a vécu et travaillé à Londres (UK) entre 1999 et 2010, où il a combiné ses activités artistiques avec des projets de commissariat. Sorenson a exposé notamment au Millennium Museum (Pékin), au Media Art Institute (Amsterdam), au ZKM (Karlsruhe) et au DokFest (Kassel). Il se produit régulièrement dans des festivals médiatiques tels que ISEA (Helsinki et Nagoya), Mapping Festival (Genève) et MAF (Bangkok). Il est maintenant basé à Montréal, Canada depuis 2010.

Sorenson définit sa pratique par la transgression des concepts d’originalité, une désobéissance de ces conventions qui s’est souvent prêtée à des projets de performance vidéo et sonore, présentés dans des contextes festifs. Cette excursion dans le domaine de la musique électronique a aussi informé ses projets en art contemporain, et a particulièrement nourrit sa fascination pour la surabondance de contenus culturels accessible en réseau. À l’inverse d’un fétichisme par la rareté, Sorenson expose ici une culture numérique valorisant l’abondance et l’ubiquité.

 

Le projet Vidéo Pistoletto s’inscrit en continuité avec mon récent travail de remix, consistant à emprunter le geste créateur d’autres artistes pour le diriger vers des matériaux et des problématiques qui n’ont pas encore été explorées par ces auteurs. Ici je détruis des écrans de télévision à cristaux liquides (LCD) de la même manière que Michelangelo Pistoletto brise ses grands miroirs. Je m’attaque à des matériaux technologiques pour produire une multitude d’artefacts de performances, tels que ces photos d’écran LCD brisés.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 20×16 po. / 50×40 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.


 06. Joseph Lefèvre

Une curieuse vitrine

 

 

150$

À propos de l’artiste…

 

À propos de l’oeuvre…

Artiste en arts visuels et en nouveaux médias, Joseph Lefèvre réalise des installations interactives, des projets d’art web et des performances visuelles en direct. Parmi ses projets on peut citer Le Café de l’abattoir (ACM SIGGRAPH 1992, Dallas), Traces et contrastes (ISEA95, Montréal), L’Espace du Chamane (Prix Möbius des multimédia Québec-Canada 2000), Au bord du fleuve, commissionné par de Turbulence.org présenté au cyberart festival de Bilbao ainsi que L’expérience du sacré, (Musée National des Beaux Arts de Taïwan, 2010). Joseph Lefèvre fait partie de l’équipe de la Société des arts technologiques [SAT] depuis sa création en 1995.

 

L’installation Une curieuse vitrine, présentée à TOPO, était composée d’une multitude d’objets intrigants et hétéroclites ainsi que de projections colorées qui animaient des volumes géométriques. Au cœur de cette ambiance festive, on découvre un monde complexe où l’horreur côtoie étrangement la frivolité : photos de tirailleurs sénégalais et marocains morts pour une nation qui n’est pas la leur, crânes humains en pâte à sel empilés qui renvoient au génocide opéré par les Khmers rouges. Dans cette oeuvre, l’artiste remixe, souvent de manière artisanale, différents objets, souvenirs et éléments de culture qui lui sont chers et nous transmet des faits d’une manière engagée, sensible et clairvoyante.

 

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g. Format: 20×16 po. / 50×40 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

 

 


 07. Santiago Tavera

Translational Spaces

150$

À propos de l’artiste…

 

À propos de l’oeuvre…

Santiago Tavera est un artiste numérique interdisciplinaire né en Colombie. Il a migré au Canada à un jeune âge où il a commencé son exploration de la culture numérique par rapport à l’expérience d’un corps transculturel. L’artiste utilise les médias numériques comme un outil d’expérimentation capable de simuler un état de désincarnation. Sa recherche créative explore les médias numériques et leur capacité à modifier la perception visuelle et spatiale. Les dessins et dessins numériques de Santiago fonctionnent comme des plans pour des installations immersives potentielles et des projets interactifs. Il construit des environnements architecturaux numériques, où il y a une traduction constante entre les lignes numériques et physiques, les lumières et les couleurs.

Santiago est titulaire d’une maîtrise en beaux-arts à l’Université Concordia à Montréal et d’un baccalauréat en arts visuels et psychologie de l’Université Western Ontario.

 

Models of Spatial Fictions est une série d’animations numériques du projet Translational Spaces. Ces animations graphiques sont désignées par l’artiste comme des environnements architecturaux numériques au sein de paysages virtuels. L’intrigue visuelle est basée sur des diagrammes, des dessins animés, des modèles d’architectures virtuelles et des dessins de structures en transition qui explorent le mouvement temporel et spatial des ombres et des lumières. C’est un ensemble de tables et d’espaces dynamiques composés principalement de formes graphiques et tridimensionnelles évoquant des lieux de mémoire, d’imagination, de désir et de rêve, d’espaces réels ou inventés. Ces animations se retrouvent sur le site www.dssots.com, où l’artiste associe de courts textes fictifs autour de la traduction des formes et des identités dans les espaces réels et virtuels.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront..

 


 08. Maxime Boisvert

Regards et jeux dans les îles de la nuit

 

 

150$

À propos de l’artiste…

 

À propos de l’oeuvre…

Maxime Boisvert a d’abord obtenu un diplôme collégial en Arts et lettres au Cégep du Vieux-Montréal avant d’y compléter une technique en photographie en 2008. Œuvrant depuis comme photographe, il a complété son baccalauréat en arts visuels et médiatiques à l’Université du Québec à Montréal en 2017. Il a entre autres participé aux expositions Paramètres, en 2015 et 2016, où il fut respectivement récipiendaire des bourses d’excellence Mc Abbie et Omer Deserres. Il a par la suite participé à l’exposition Passage à découvert où son travail fut récompensé par la réception de la prix d’excellence des professeurs Thomas Corriveau et Mario Côté. En automne 2017, il a entamé une maîtrise en arts visuels et médiatiques à l’UQAM, soutenu par la Bourse d’excellence de recrutement de l’UQAM FARE.

Ce qui unit les différents projets issus de sa pratique artistique est une référence à l’histoire, la culture et parfois à la littérature québécoise. Cette démarche est animée par un désir de découvrir et d’interroger son héritage et ainsi de s’y inscrire et de le continuer en y participant. La photographie et le texte sont les outils principaux de ses recherches. 

 

Une dactylo, connectée à un ordinateur, exploite de façon autonome et continue la poésie générée en direct par un algorithme inspiré des chaînes de Markov. Le texte source, utilisé par le code JavaScript pour créer de la poésie, est composé des œuvres de deux poètes canadiens-français, Saint-Denys Garneau et Alain Grandbois. Bien qu’ils soient des pôles séparés les uns des autres à plusieurs niveaux, ils ont tous deux été d’une importance primordiale dans la genèse de la littérature québécoise. La poésie générée de Regards et jeux dans l’espace de Saint-Denys Garneau d’une part et de Les îles de la Nuit d’Alain Grandbois est typée dans l’infini par la dactylo sur une feuille de papier en continu. Les réconcilier à travers ce projet est une manière de questionner leur héritage, leur impact sur notre culture et ce qu’ils en disent, et donc ce qu’ils disent de nous. Comme le dit Pierre Nepveu dans son livre sur la genèse de la littérature québécoise, Garneau et Grandbois font partie des poètes qui sont maintenant perçus comme des phares, utilisés pour tracer ou développer l’histoire du Québec. Ce projet est ainsi devenu prétexte à une relecture de ces poètes, peut-être à leur actualisation et à leur réappropriation.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 20×16 po. / 50×40 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.


 09. Julien-Robert

Fit in the Crowd

 

 

150$

 

À propos de l’artiste…

 

À propos de l’oeuvre…

Julien-Robert est un compositeur et artiste multi-disciplinaire explorant la relation entre son et visuel. Il crée des performances et des installations audiovisuelles alimentées par son parcours et son expérience musicale. 

Il a d’abord étudié la composition instrumentale et électroacoustique avant d’élargir son champ artistique à la création vidéo et aux dispositifs interactifs. En créant ses oeuvres, il accorde une grande importance à leur mise-en-scène afin de faire vivre aux spectateurs l’expérience la plus complète et authentique possible. Il travaille actuellement, en collaboration avec Julien Compagne, sur le développement d’une nouvelle forme artistique combinant en un seul objet musique, vidéo et technologie au sein de leur groupe Video Phase.

 

Fit in the Crowd est une installation vidéo triptyque interactive illustrant certains aspects de la vie urbaine. Avec des images projetées à la manière d’un stroboscope aveuglant, l’œuvre évoque la sursaturation de messages auxquels nous sommes exposés tous les jours et suggère des moments de réconfort, de refuge, où la vie s’arrête un instant. Elle questionne ainsi l’espace que nous habitons, en milieu urbain, en relation au confort qu’il nous procure par son anonymat.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

 


10. Élène Tremblay

Effet du vent sur un petit arbre décoratif

 

150$

 

À propos de l’artiste…

 

À propos de l’oeuvre…

Élène Tremblay (1962-2016). À travers la photographie, la vidéo et l’installation mécanisée, son travail a exploré les questions récurrentes de l’échec du contact dans le simulacre, du corps vulnérable et pathétique dans sa posture, de l’appel à l’empathie du spectateur, de la fausse adresse et de la théâtralisation du regard du spectateur.

Détentrice d’un doctorat en études et pratiques des arts de l’Université du Québec à Montréal, elle a publié en 2013 L’insistance du regard sur le corps éprouvé, pathos et contre-pathos aux éditions FORUM (collection Cinethesis, Udine, Italie). Elle était professeure adjointe au département d’histoire de l’art et d’études cinématographiques de l’Université de Montréal. Auparavant elle fut directrice à la programmation de L’Espace Vox à Montréal et commissaire de plusieurs expositions.

 

Dans cette vidéo, un petit d’arbre est soumis au vent de plus en plus puissant d’une soufflerie. L’arbre demeure enraciné même si ses branches basculent presque à l’horizontal.

L’approche sarcastique et réflexive de cette vidéo illustre le caractère perturbateur tout à fait naturel du vent mais par le biais d’une intervention artificielle. Cette vidéo a été réalisée dans un laboratoire scientifique d’ingénierie servant habituellement à mesurer les conséquences du vent sur les bâtiments (Wind Tunnel Lab, Département de génie civil et environnemental de l’Université Concordia).

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 12×20 po. / 30,5×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.


  11. Jean-René Leblanc et Carl Spencer

Black beauty

 

 

150$

 

À propos des artistes…

 

À propos de l’oeuvre…

La collaboration entre Jean-René Leblanc et Carl Spencer, deux artistes, basés à Calgary, résulte d’une commande de la Société Radio-Canada pour le 100e anniversaire du Stampede de Calgary, l’un des plus grands rodéos du monde. Conçue expressément pour une vitrine, Toro embistiendo a été réalisée pour la première fois en 2012 dans l’espace vitré du centre d’artistes Stride à Calgary. Activement impliqués dans la communauté des arts visuels et médiatiques, Leblanc et Spencer siègent tous deux au conseil d’administration de Emmedia Gallery and Production Society et ils ont cofondé le laboratoire transdisciplinaire Sensorium de l’Université de Calgary – un groupe de recherche artistique explorant les systèmes d’interaction qui encourageant la perception et l’interprétation kinesthésique axée sur la participation. Leur pratique explore la relation entre la technologie et la culture à travers des enjeux liés à l’interactivité. Leurs œuvres ont été présentées au Canada, aux États-Unis, en Europe, en Asie et en Australie.

  L’œuvre Toro embistiendo interroge l’image du taureau comme figure emblématique de la culture du rodéo et des cowboys au Canada. Le titre fait appel à la langue espagnole pour désigner le taureau qui charge, une référence explicite à la tauromachie si présente dans la culture hispanique. L’installation explore le jeu de la confrontation entre le spectateur et la vidéo d’un taureau dans son enclos qui se met à charger quand on l’excite en passant devant la vitrine où l’œuvre est présentée. Leblanc et Spencer proposent une installation ludique et métaphorique utilisant l’interactivité pour créer un pont entre le réel et le virtuel.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 10×20 po. / 25,5×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

 


12. Sarah Chouinard-Poirier

indexE

 

150$

 

À propos de l’artiste…

 

À propos de l’œuvre…

Sarah Chouinard-Poirier. Dans ses travaux l’artiste multidisciplinaire se met physiquement en jeu et élabore des performances où la présence, le geste, la parole et l’objet concourent à créer une expérience radicale et une mythologie féministe et résistante. Positionnant sa pratique entre le théâtre et l’art action, elle s’engage aussi dans des projets collectifs où elle participe à la création de formes théâtrales interdisciplinaires ancrées dans le travail du corps et la performativité, basées sur des écritures contemporaines ou des textes du répertoire. Depuis 2012, elle coordonne les activités de Volte 21, organisme de création pluridisciplinaire dont elle est cofondatrice. Elle vit et travaille à Montréal.

 

En février 2017, Sarah Chouinard-Poirier présente le projet indexE dans la Vitrine de TOPO. indexE pose la question de la place des femmes en littérature en recourant à l’oralité comme lieu de partage et de transmission. L’artiste a convié une communauté ad hoc de 100 personnes s’identifiant comme femmes, personnes trans ou queer, réunies par une invitation à proposer une œuvre de la littérature féminine revêtant pour elles une importance particulière. Ces œuvres constituent l’indexE, un répertoire de livres à désoublier exposés dans la vitrine pendant toute la durée de l’exposition. Dans cet espace intime évoquant la bibliothèque et le studio de radio, la performeuse et ses collaboratrices ont offert un cycle de lectures de longue durée, de cinq heures par jour durant six jours.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 15×20 po. / 38×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.


  13. Simon Dumas en collaboration avec Mickaël Lafontaine

Choeur(s) pour castelet

 

150$

 

À propos des artistes…

 

À propos de l’oeuvre…

Simon Dumas. À la fois poète et artiste, il a fait paraître cinq titres de poésie : Pastels fauves aux éditions du Loup de gouttière (2001), Petites îles de soif aux Écrits des forges (2003), La chute fut lente, interminable puis terminée aux éditions La Peuplade (2008) — finaliste au prix Alain-Grandbois — ainsi que Mélanie (2013) et Révélations (2016) aux éditions de l’Hexagone. Il a bénéficié d’une résidence d’écriture à Mexico en 2010 et d’une autre à Paris à l’automne 2014. Il est cofondateur et directeur artistique de Productions Rhizome dont le mandat est de produire des spectacles littéraires. Il vit et travaille à Québec.

Mickaël Lafontaine. Artiste multidisciplinaire, son univers de création se situe à la croisée du réel et du numérique, de l’art et du social. Sa pratique artistique s’articule autour de l’art vidéo, du vidéo-mapping, de la danse, de la poésie et de la philosophie. Il fait appel à la vidéoprojection et à l’interactivité afin d’incarner le numérique dans le réel et de le faire vivre entre les mains du spectateur. En parallèle, il développe des projets de co-création en milieu éducatif et associatif où l’art et les nouvelles technologies deviennent des facteurs de changement social. Il vit et travaille entre les villes de Nantes et de Montréal.

 

L’image est issue de l’installation Choeur(s) pour castelet dont le coeur est fait de poésieDans la vitrine, au centre d’un petit plateau noir, se tiennent un certain nombre de personnages. Ce sont les habitants d’un castelet particulier, hommes et femmes, qui interpellent le visiteur. Ce sont des poètes, du Québec et de la Belgique, des présences poétiques différées et ramenées aux proportions du castelet. À chaque auteur(e) est associé un artiste audio ayant composé spécifiquement une pièce. À chaque duo vient se greffer une création vidéo conçue expressément pour le dispositif, ainsi qu’une animation typographique dynamique créée par l’artiste Mickaël Lafontaine, qui utilise une œuvre-outil qu’il a développée, l’Audiographe. La voix des poètes module les animations en temps réel.

Chœur(s) est une installation de configuration variable créée avec l’artiste et développeur Louis-Robert Bouchard avec la participation de TOPO et du Laboratoire Nt2

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

 


14. Isabelle Gagné

Stratotype digital-ien

150$

 

À propos de l’artiste…

 

À propos de l’oeuvre…

Née à Boisbriand, Isabelle Gagné est une pionnière de l’art mobile au Canada. C’est en 2009 qu’elle s’est tournée vers les appareils mobiles comme médiums d’expression artistique. Depuis, elle a présenté son travail dans des expositions individuelles et collectives au Canada et à l’étranger. Alimentée par son environnement numérique, l’artiste porte un intérêt particulier au paysage naturel contemporain québécois, marqueur énonciatif du patrimoine. Ses recherches sont multiplateformes. Elle puise sa matière première dans des photos, captures d’écran, et même des accidents graphiques trouvés sur Internet.

 

Stratotype digital-ien est un robot informatique autonome [bot] qui recompose de manière aléatoire les images du paysage québécois. Il a pour fonction de transformer les photos prises par l’artiste et recueillies auprès de citoyens. Aux photos originales, le bot ajoute des extraits d’images de nature géomorphologique similaire trouvées sur Google Image, créant ainsi une nouvelle génération d’images. Les images modifiées créent des occurrences visuelles insolites du territoire québécois sur le web et les moteurs de recherche. Ces nouvelles données produites par le robot contribueront à accroître les archives photographiques du patrimoine québécois sur le web. La programmation de ce [bot] est le fruit d’une collaboration avec le développeur web Paul Gascou-Vaillancourt.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 20×15 po. / 50×38 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

 


Détails de l'événement

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